MARIA BRUNEREAU

Cari amici,
In questo blog, potete fare delle domande collegate al "Marketing dell'Arte" (Strategie di mercato per artisti). Cercherò di rispondere a tutti nella maniera più professionale possibile.

A presto,

M. Brunereau

El consumismo de masas amenaza la creatividad y la belleza en las artes plásticas

“Un recuerdo que dejo ¿Con qué he de irme? ¿Nada dejaré en pos de mi sobre la tierra? ¿Cómo ha de actuar mi corazón? ¿Acaso en vano venimos a vivir, a brotar sobre la tierra? Dejemos al menos flores Dejemos al menos cantos.” Nezahualcóyotl

INTRODUCCIÓN

Vivimos en un mundo en el cual la concentración de poder económico y político adquiere siempre una importancia que no ha sido vista nunca antes en la historia, por tal motivo, es imposible pensar que la cultura esté salva de tal influencia.
La postmodernidad que caracteriza nuestra era, es sinónimo de individualismo humano y ha tenido un efecto directo en diferentes campos como el social, económico, cultural, político, filosófico, etc. La pérdida de la cultura es una de sus consecuencias más claras; en cuanto a las artes plásticas, se ha vuelto un campo muy controvertido dada la mutación del concepto del arte en el tiempo. Las nuevas propuestas, en su gran mayoría vienen determinadas directamente de acuerdo a intereses de mercado, valores como la estética y la belleza se han debilitado frente a las nuevas tendencias tecnológicas y de comunicación, pues en aras de la globalización y el imperio capitalista, el arte perdió peso y la epidemia del consumismo masivo amenaza su esencia.
El legado cultural, no sólo los valores y tradiciones, sino también el arte, de un pueblo es lo que le ofrece a sus miembros una identidad y un sentido de pertenencia, al respecto Marx dice: “la producción intelectual de una nación se convierte en patrimonio común de todos” (Berman, p.122), desgraciadamente en las últimas decadas el valor de este patrimonio ha cambiado, “en realidad cada vez más áreas de la vida cultural se incluyen en la lógica de circulación de capital y dinero. (Harvey, 1998: 376)

Este ensayo tiene como objetivo estudiar y analizar cómo el consumismo de masas amenaza la creatividad y la belleza en las artes plásticas, a manera de hipótesis a la luz de los ojos de la Teoría Crítica.


DESARROLLO

Aspectos históricos

Antes de aprender a escribir, el hombre aprendió a dibujar. Las primeras manifestaciones arísticas de la historia se remontan al paleolítico superior (poco después del año 40,000 a.C.) en el continente europeo siendo las paredes de las cavernas las primeras telas de los pintores y el mundo animal la primera fuente de inspiración, algunos estudiosos han interpretado estas obras como rituales, otros con sentido mas práctico creen que las representaciones eran simples reproducciones de la naturaleza para conocerla mejor. Las primeras esculturas que se conocen datan de hace unos 25,000 años y se trata de figuras humanas talladas en piedra, huesos o arcilla manifestando fecundidad y maternidad. De una manera u otra, la necesidad del hombre de producir arte es evidente desde sus inicios. De acuerdo a Hegel, el arte responde a “necesidades supremas y absolutas, dado que está legada a las concepciones más generales del mundo y a los intereses religiosos de enteras épocas y pueblos” (Hegel, 1997:32)
El estudio de la historia del arte como tal se inició con el Renacimiento y se limitó a la producción artística de la civilización occidental, con el tiempo, sin embargo ha ampliado su alcance de forma global incluyendo todas las civilizaciones y analizando dicha producción de acuerdo a sus propios valores culturales. Los historiadores a han dividido en varias etapas, de las cuales las más conocidas son las siguientes:
•Prehistoria
•El Mundo Antiguo: Mesopotamia, Antiguo Egipto, Grecia, Roma, India y China.
•Paleocristiano
•Edad media
•Edad moderna
•Arte contemporáneo
Para fines de este trabajo, se considerará principalmente el arte contemporáneo, mismo que incluye el arte de los siglos XIX y XX y el arte moderno.
Movimientos artísticos como el impresionismo, el futurismo, liberty, cubismo, fauvismo, surrealismo, arte abstracto, arte pop, etc. han revolucionado el arte antiguo y así en sólo dos siglos se pasó del concepto clásico del arte con valores de belleza, perspectiva, técnica, filosofía, religión y otros al arte povera y hasta el grafitismo, verdaderos pasos de gigante en una sociedad que cambia rápidamente, en la famosa aldea global, la era de las comunicaciones, tiempo y espacio se sobraponen dando origen a nuevos procesos culturales

Estética y belleza y en las artes plásticas

“La belleza salvará el mundo.” Dostoievski

Para abordar el argumento de estética y belleza artística es indispensable hablar de objetividad y subjetividad, apegándose a la definición de belleza de la Real Academia de Lengua Española dice que la belleza “se produce de modo cabal y conforme a los principios estéticos, por imitación de la naturaleza o por intuición del espíritu”; se define bello lo que vemos y oimos, por lo tanto se trata de una palabra subjetiva, sucede frecuentemente que lo que vemos y oimos viene condicionado por factores externos como la sociedad o los medios de comunicación. La subjetividad de la belleza no permite fijar parámetros estándares en la evaluación de una obra de arte ya que el pensar y el sentir son elementos personales.
Desgraciadamente se debe considerar también el factor “masas”. “El rol creciente de las masas en la vida cultural ha tenido consecuencias positivas y negativas... el problema es el análisis de la producción cultural y de la formación de los juicos estéticos a través de un sistema organizado de producción y de consumo mediado por complejas divisiones del trabajo, prácticas promocinales y disposiciones de marketing. Y en la actualidad, todo el sistema está dominado por la cirulación del capital” (Harvey, 2003:378). Son muchas las veces que obras de arte (declaradas como tal) son admiradas por un gran número de personas porque van de moda o porque se cotizan bien en el mercado y momentáneamente causan un gran boom, pero en un determinado arco de tiempo vienen olvidadas, se trata en otras palabras de una manipulación de mercado.
En otras ocasiones el éxito de un movimiento artístico o de un artista viene determinado no por la belleza ni la estética, sino por situaciones mucho más complejas que tienen que ver con la política y el orden mundial como fue por ejemplo el caso del arte moderno a finales de la Segunda Guerra Mundial “...el locus de la producción artística y la idea del arte moderno cambió de París a Nueva York... París había sido arrojada al desorden por la guerra y la ocupación Nazi, y en medio de una campaña ideológica para promover el rol de liderazgo de los Estados Unidos en el mundo de posguerra, el expresionismo abstracto de artistas de Nueva York... se estableció como la continuación natural y el heredero del modernismo europeo y, específicamente Parisino. Nueva York robó la idea del arte moderno.” (Hardt y Negri, 2002:333). Apegándose a la teoría de la subjetividad nuevamente, el arte moderno puede ser o no bello, sin embargo en este caso (como en tantos otros) el factor decisivo de su difusión no se debe a esta característica.

Artes plásticas y mercado global

“A medida que se eleva el nivel material de la vida, desciende el nivel de la verdadera vida. La gente vive más años, pero sus vidas son más vacías, sus pasiones más débiles y sus vicios más fuertes.” (Paz, 1998: 23)

El mercado de la cultura en términos prácticos viene tratado acutalmente como cualquier otro mercado de intercambio de bienes, las obras de arte se ofertan y se venden al mejor postor, y así en la era de la globalización el mercado del fast food da origen a las estrategias del business art . Desde esta perspectiva, cada confronto estético que no esté basado en un análisis de relaciones de poder, estará condenada a permanecer un mero ejercicio académico. Son siempre más los mecanismos de mercado global que se introducen a la producción del arte y de la cultura, el marketing del arte se abre paso para fomentar intensamente el consumismo de masas. “Quiero ser un Business Man del arte o un Artista del Business.” Decía A. Warhol
“Marx, describe a los intelectuales como asalariados, está tratando de hacernos ver que la cultura moderna es parte de la industria moderna... los intelectuales no viven sino a condición de encontrar trabajo, y lo encuentran únicamente mientras su trabajo acrecienta el capital... deben competir por el privilegio de ser comprados... para poder continuar con su obra... una vez que la ‘obra’ está acabada se ven, como todos los demás trabajadores, separados del producto de su trabajo. Sus bienes y servcios se ponene a la venta y serán ‘las vicistudes de la competencia, las fluctuaciones del mercado’ antes que cualquier verdad, o ‘belleza’, o valor intrínseco – o cualquier falta de verdad, o belleza, o valor- las que determinene su suerte... los procesos y productos creativos serán usados y transformados en formas que harían quedar perplejos y horrorizados a sus creadores. Pero los creadores serán impotentes para oponerse porque, para vivir, deben vender su fuerza de trabajo... Al ‘venderse al detalle’, venden no sólo su energía física, sino su mente, su sensibilidad, sus sentimientos más profundos, sus capacidades visionarias e imaginativias, prácticamente todo su ser.” (Berman, p.114-116)

Personalmente encuentro que estas palabras describen una situación real en la manera más cruda, una realidad medida y evaluada con las reglas capitalistas, reglas que nos dejan ver el final funesto respecto al valor de ‘las mentes’, las ideas, el arte, el mercado como un gran ‘mounstro’ que devora el intelecto, que lo aplasta si no ‘vale’ en términos monetarios sin importar si sus objetivos son de tipo humanístico. Actualmente nos encontramos frente a un Nuevo Imperialismo cuyo objetivo reside precisamente en el control de las materias primas tanto ‘intelectuales’, tecnológicas como industriales del mercado global, los dos bloques económicos dominantes son E.U. y la Unión Europea, casualmente las dos casas de subastas de arte (Sotheby’s y Christie’s) más importantes se encuentran precisamente allí, las artes plásticas como el arte en general, se someten a las reglas del mercado a costo de profanar su propia belleza.

CONCLUSIÓN

La única constante de nuestra era es el cambio, en ciertos momentos sucede tan rápido que no nos damos cuenta, las redes de comunicación se han perfeccionado a tal punto que virtualmente las fronteras y las distancias han desaparecido, el comercio global emprende nuevas rutas, el multiculturalismo está al orden del día y todo en conjunto afecta inminentemente los modelos culturales clásicos desde sus formas más profundas y simples. En la era de la comunicación, paradojalmente no sabemos comunicar, las sociedades postmodernas se disuelven casi sin darse cuenta y sus valores mas profundos se merman, “los hombres han perdido la habiliad para reconocer lo divino en sí mismos, en las cosas, la naturaleza y el arte, la familia y el estado, sólo tienen interés para ellos como sensaciones. En consecuencia, sus vidas fluyen insignificantemente, y su cultura compartida está interiormente vacía y sufrirá un colapso porque merece sufrir un colapso. Sin embargo, la nueva religión que la humanidad necesita emergerá inicialmente de las ruinas de esta cultura” (Cornelius, citado en Habermas, 1989:90)

La acumulación del capital ha alterado indudablemente la percepción de la vida y de la cultura misma, el arte contemporáneo se está extraviando en el laberinto tecnológico, las actividades humanas se han reducido a dos cosas: el trabajo y el consumo. La belleza está muriendo, no sólo aquella estética de las artes plásticas, también la belleza del alma, el hambre insaciable de poseer la materia está vaciando la cultura y el conocimiento. De frente a las extravagancias del arte moderno, muchas personas se quedan perplejas y lo rechazan, otras lo abrazan, pero son incapaces en su gran mayoría de comprenderlo, lo siguen sin cuestionarse dónde quedaron la belleza y la estética.

BIBLIOGRAFÍA

Berman, M. Todo sólido se desvanece en el aire. Marx. El modernismo y la modernización. Siglo XXI

Giovanni Sartori (1998) Homo videns. La sociedad Teledirigida. Edit. Taurus.

Gómez, Vicente. (1998) El pensamiento estetico de theodor w. Adorno. 1ª edición, Frónesis Cátedra Univeridtad de València, Madrid

Hardt, Michael y Negri Toni (2002). Imperio. Editorial: Paidós, Buenos Aires

Habermas, Jürgen. El discurso Filosófico de la Modernidad. Capítulo V. Editorial Taurus.

Habermas, Jürgen. (2001) Teoría de la acción comunicativa I. Racionalidad de la acción y racionalización social. Taurus Humanidades. Tercera edición.

Harvey, David (2003). La condición de la posmodernidad. Buenos Aires: Amorrortu.

Harvey, David (2004). El nuevo imperialismo. Ediciones Akal

Hegel, F. (1997). Arte e morte dell'arte. Percorso nelle lezioni di estetica. Mondadori, Italia

Held y McGrew. (2007) Globalization/Anti-globalization. (Segunda Edición) Estados Unidos: Polity Press

Horkheimer (1973), La crítica de la razón instrumental, Ed. Sur SA, Buenos Aires

Huyssen, Andreas. Guía del posmodernismo, en Casullo, N. (1993) El debate modernidad-posmodernidad, ediciones en cielo por asalto.

Jay M. (1974) La imaginación Dialéctica. Capítulo II. Editorial Taurus.

Horkheimer, Max y Adorno, Theodor W. (1997), Dialéctica de la Ilustración, Ed. Trotta, Madrid

Horkheimer, Max (2003), Teoría Crítica, Ed. Amorrotu, Buenos Aires-Madrid

Petras, James (en web: 1997) El nuevo imperialismo. Fortune city: http://www.fortunecity.com/victorian/picasso/570/petras.htm

Lash, S. (1997) Sociología del Posmodernismo. Edit. Amorrortu
Paz, Octavio. "La democracia: lo absoluto y lo relativo". Revista Vuelta. México, 1992. número 9

EVENTO NOVITA' A TAORMINA: ARTISTI IN CERCA DI MERCATO.

Aurum casa d'aste e tèa galleria d'arte presentano: <open art aurum>
primo appuntamento in Italia.
Asta d'arte contemporanea riservata esclusivamente agli artisti in cerca di mercato.

Highlights:
Asta
Excelsior Palace Hotel
Via Toselli,8
7 Giugno 2008
ore 21,00

Esposizione
tèa galleria d'arte
Via Giovanni Di Giovanni, 36
4,5 e 6 Giugno 2008
dalle ore 10,00 alle ore 21,00

Finalmente una porta aperta agli Artisti in cerca di mercato.
La nostra iniziativa, denominata <open art aurum>, che vede il prezioso contributo della galleria d'arte "tèa" di Taormina, ha l'ambizione di proporsi come apripista nel complesso mondo dell'arte contemporanea in Italia. Ai fini della sua completa diffusione, riteniamo, infatti, che la promozione, basata solo sull'esposizione delle opere e sull'attenta analisi e critica di esse, come spesso accade, non è sufficiente a garantire la crescita di un artista. Quest'ultima si completa mirando ad iniziative finalizzate ad azioni di vendita, il cui mercato è oggi monopolio di pochi operatori del settore. In poche parole l'artista ha bisogno anche di sostentamento economico. Con la nostra iniziativa, egli avrà una vetrina di vendita ed un palcoscenico di esibizione, spazio per la propria creatività, senza subire giudizi e preconcetti selettivi, che, invece, rimangono esclusivamente appannaggio del pubblico, unico critico d'arte, che esprime il proprio consenso attraverso l'acquisto dell'opera. Non gli sarà necessario affrontare investimenti impegnativi nel momento in cui non ha ancora acquisito visibilità sui mercati. Aiutare un artista in cerca di affermazione è un dovere, che tutte le case d'asta, le gallerie ed i mercanti dovrebbero assolvere, senza praticare la via, senz'altro più facile e redditizia, della sponsorizzazione di quello già affermato. Dedicarsi alla scoperta di talenti potrebbe essere portatore di gratificazioni diverse da quelle economiche, che al mondo d'oggi si sono inesorabilmente perse di vista, sacrificate alla logica del denaro facile. Cercare l'anonima qualità presuppone capacità ed intuito, che, anche se non esistono, possono essere facilmente surrogati da costose operazioni di marketing.

L'immagine degli artisti di talento che chiudono cavalletto e tubetti è quella che noi vogliamo scongiurare. Nasce così l'idea di coinvolgere la sobria ed elegante Taormina, vetrina internazionale vista e visitata da migliaia di persone provenienti da tutte le parti del mondo, in un evento senza precedenti in Italia. La giusta ricompensa per le decine d'artisti provenienti da tutta Italia e dall'estero.

Le nostre aste d'arte contemporanea, che anche in un prossimo futuro riserveremo agli artisti in cerca di mercato, rappresentano una proposta seria ed interessante, che privilegia la libertà degli acquirenti di poter scegliere le opere tra stili, tecniche e tematiche differenti, ma soprattutto la libertà degli artisti di indicare il prezzo base d'asta delle loro opere. Su questa soggettiva e specifica problematica, infatti, l'intervento della casa d'aste è stato marginale.

Libertà di decisione, senza condizionamenti o elucubrazioni mentali di inventati "critici d'arte", dagli onorari composti da numeri a molte cifre e dalle critiche positive dettate, solo, dal proprio tornaconto personale.

Il prezzo di un opera d'arte, stabilito direttamente dall'artista, dal suo buon senso, dalla sua ragione ed anche dalla sua passione, può anche coniugarsi con la parola sacrificio, ma non sarà un sacrificio sterile, bensì un investimento sul futuro.

Un appello, che molti criticheranno e tacceranno di demagogia e qualunquismo, ai Maestri d'arte ed agli Insegnanti delle Accademie d'Arte, affinché, anche loro, dall'alto della loro preparazione, sostengano i loro allievi, non solo insegnando i veri fondamentali dell'arte, ma anche indirizzandoli verso i mercati economici, altra faccia della medaglia. Conosciamo molte storie di artisti che nella loro contemporaneità furono considerati mediocri e che, invece, nella loro post-contemporaneità sono stati osannati e celebrati. Sbagliarono i critici d'allora o stiamo sbagliando noi adesso?

Concludo con una promessa: la prossima asta verrà svolta tra la gente, in una piazza d'Italia, come nell'antica Roma, dove si vendevano i beni dei debitori del Tesoro pubblico presso un'asta conficcata in terra (sub asta vendere). Quindi, invito i Signori Amministratori Pubblici Italiani ad attenzionare l'aspetto sociale, culturale, ed economico di tale proposta, che sarebbe una novità assoluta per il mondo dell'arte, solitamente abituato a manifestazioni statiche: fiere, mostre e rassegne, organizzate in spazi chiusi e predefiniti. Un mercato itinerante, un polo d'attrazione in movimento per il pubblico e, perché no, per i mercanti, i collezionisti e gli appassionati d'arte in genere.

L'Aurum, che mi onoro di rappresentare, sarà ben lieta di contribuire, con le proprie password societarie composte da trasparenza e da legalità, alla loro realizzazione. Fatevi avanti.

La porta è finalmente aperta.

In bocca al lupo e buon'asta a tutti.

Toni La Spina

+39 339 5007114


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ARTISTI PARTECIPANTI:
Antonella Affronti, Paola Alviano Glaviano, Tania Anile, Rachele Ascanio, Piero Baiamonte, Paolo Benedetti, Alessandra Benini, Romina Berto, Raffaele Boccia, Liliana Bordoni, Luisa Borin (Gigì), Giuseppe Borrello, Francesco Borzani, Anna Branca, Maria Brunereau, Miky Canzi, Domnica Cervaciuc, Cleide, Antonio Cristalli (Alli), Milena Crupi, Giuseppe Della Volpe, Adele D'Ettorre, Roberta Diazzi, Daniela Domenichini, Manolo Espindel, Anna Maria Fazio (Crystal), Beatrice Feo, Maria Ferrara, Sergio Figuccia, Ester Foglia, Alberto Franco, Freeman, Giovanna Garbuio, Felice Giancaspro, Claudio Giulianelli, Giusi Gramegna, Soha Khalil, Andrea Latina, Luigi Lombardo, Sonia Lovo, Maria Grazia Mancino, Giampiero Mancasi, Fiorella Manzini (Fiorella), Angelo Mazzoleni, Marta Melniczuk, Luca Mentasti, Francesco Messina, Roberto Minera, Sonia Mutti, Clara Nicese, Antonino G. Perticone, Mari Jana Pervan, Alex Preti, Marina Profumo, Massimiliano Robino, Leandro Russo, Jeannette Rütsche (Sperya), Andrea Schiavetti, Ryoma Shirai, Mitzi Simonetti, Alfio Sorbello, Anna Lisa Vaianella e Dino Ventura.
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Inauguration Tuesday 27th November 2007 at 6 p.m.; the works will remain on display until Friday 7th December 2007.

United Nations Building, Geneva, building E, mezzanine 2nd floor (entrance through door de Pregny, 16 Avenue de la Paix).

"The roots of her homeland are in her painting. A strong, indissoluble, ancestral embrace. The origins are prominent, both in the drawing and in the colours. The force of life transmitted by persuasive, intense, sophisticated images. Watering the path of life of peoples, so different and yet so similar and travelling along it with love, in an attempt to unite it. The union of peoples with a universal thread: painting – in the prince of its techniques: oil on canvas. The pride of attempting to contribute to contact and brotherhood with ones own emotions. The language of works of art: life at the centre of the universe. The artist is man and as such favoured by God: he becomes a messenger and an instrument like an initiate, a chosen one".
Toni La Spina

The three works of art.

Tlacuilo:
“the delicate joint of the woman’s fingers. The body of a woman who is the very casket of the miracle of life. The contrasting images of science and faith: little icons of colour similar to “‘houses” of the zodiac mix with coils and double-helixes that lead back to the concept of science, as an integral part, of the divine design”.

Iguana:
“The intense gaze of a woman forming a bridge between the sacred and the profane. Soft contours between the hair and the body of the iguana symbolising the eternal union between God and man. The sacred, represented by the animal of ancient tradition, lives and dominates in the mind and ends up by forming a meaningful part of it”.


Cimarron:
“the strength of thought, the steadfastness of reason and the pride of ideas. These are the concepts that explode from the vision of the work that brings to mind young passions that are never subdued by years of maturity. The gaze projected towards the future, with the faith of someone who has made wisdom her philosophy of life”.

Nella splendida cappella Marinoni di Cerete Alto, delizioso paese della Valle Seriana, ha esposto nel corso del mese di agosto la pittrice Maria Brunereau. Bella e interessante sorpresa per i numerosi turisti presenti, attirati dagli splendidi paesaggi bergamaschi e dai non meno stuzzicanti menu tradizionali da gustare all’aria aperta che hanno animato le numerose feste e sagre paesane.

Le opere di Maria Brunereau rappresentano un’incredibile esperienza visiva ed emotiva che ha il potere di farci compiere un suggestivo viaggio nell’arte e, contemporaneamente, a ritroso nel tempo nella civiltà atzeca. Non è cosa di tutti i giorni vedersi riprodotti e reinterpretati i valori mitologici e simbolici, ma anche umani e spirituali, di uno dei popoli precolombiani più evoluti.

I misteri di questo popolo vengono trasfigurati con sapienti richiami dal fascino criptico dall’artista fino a diventare una chiave di lettura e interpretativa del nostro tempo, attraverso le immagini dei corpi nudi, maschili e femminili, in plastiche espressioni, simboli formali dell’essenza stessa dell’umanità che si perpetua.

Di quell’antica civiltà, fascinosa e oscura, che nella tradizione viene descritta spesso come soggiogata da severe e austere regole etiche e oppressa da divinità incombenti e minacciose, si riprendono i concetti espressivamente vitali e questa fase è ancora più evidente nei ritratti dei volti, nell’armonia degli incarnati ben disegnati, nel bagliore penetrante degli sguardi fieri, in quell’atteggiarsi delle labbra che paiono colte nel momento stesso in cui stanno per rivelare verità misteriose e trascendenti.

Qui risiede il fascino della pittura di Maria Brunereau: nello scavare tra le radici profonde di un passato e ripescarne con devota e ammirata passione gli stimoli più preziosi, lasciando che il fruitore della sua arte raffinata venga colto da una sorta di interiore e bruciante rimorso che affonda le sue radici nello scoprirsi complice – per quanto lontano nel tempo – della meschina e gretta voracità dell’Occidente conquistatore.

Dr. Ugo Perugini
Altro sito dove scrive:
www.vialesusanna.com/index.html